Versiunea de scenă a celebrului film Disney este un fenomen global fără egal. La 27 de ani de la premiera sa, regizoarea discută despre motivul pentru care a fost un risc major care s-a dovedit a fi de 10 miliarde de ori profitabil, spune bbc.com.

Musicalul The Lion King este o forță a teatrului – captivând publicul american încă din 1997, este cea mai profitabilă producție din toate timpurile, fie în teatru, fie în film, generând peste 10 miliarde de dolari (7,68 miliarde de lire sterline) la nivel mondial. Aniversează în prezent 25 de ani în West End, împlinește luna viitoare 27 de ani pe Broadway și a fost pus în scenă în întreaga lume – din Africa de Sud până în Coreea de Sud, din Australia până în Emiratele Arabe Unite – vizitând fiecare continent, cu excepția Antarcticii. „Pinguinii nu au nevoie de noi”, glumește Julie Taymor, regizoarea și scenografa de teatru, film și operă, a cărei viziune unică a ajutat musicalul să prindă viață pe scenă – demonstrând că versiunile teatrale ale filmelor Disney nu doar că pot fi extrem de profitabile, dar pot fi și inovatoare din punct de vedere artistic.

Însă, când Disney a abordat-o inițial pe Taymor pentru a regiza o versiune live a filmului lor adorat din 1994, ea nu știa ce să răspundă: nu văzuse de fapt The Lion King. „M-am gândit, de ce nu, hai să văd filmul”, își amintește ea. „Și m-a impresionat foarte mult; mi-a plăcut.” Provocarea de a adapta o poveste epică, de amploare cinematografică, a entuziasmat-o: cum, își amintește ea, ai putea aduce pe scenă sute de animale? Cum ai putea crea o stampede de genu live, în fața unui public?

Răspunsul a fost adoptarea unei abordări distinct teatrale: The Lion King folosește măști și marionete pentru a aduce pe scenă animalele savanei africane și pentru a spune povestea maturizării lui Simba, leul care trece de la pui la rege. Taymor a proiectat toate costumele și măștile, iar momentul de cotitură a fost decizia de a lăsa publicul să vadă mecanismele din spatele fiecărui personaj.

„Am luat fiecare animal în parte: bine, avem o girafă, voi pune gâtul deasupra capului dansatorului, dar vei vedea fața dansatorului, vei vedea unde sunt legate picioarele de lemn de mâinile lui…” își amintește Taymor cu entuziasm. „Nu există nicio încercare de a ascunde ființa umană din spatele măștilor sau în interiorul marionetei,” spune ea, o tehnică pe care a numit-o „evenimentul dublu”, permițând actorilor să fie simultan animal și om.

Disney nu avea de fapt o idee prea clară despre cum să facă asta, ceea ce a fost grozav – a lăsat ușa larg deschisă – Julie Taymor.

Astfel, poți vedea emoțiile lui Simba pe fața actorului, în timp ce o mască deasupra capului său le amintește spectatorilor că este, de fapt, un leu; Timon, suricata, este o marionetă inspirată din tradiția japoneză de păpușărie Bunraku, în care persoana care controlează mișcările păpușii este complet vizibilă. Platouri de iarbă pe capetele actorilor evocă câmpiile mișcătoare, în timp ce întregi turme de gazele sunt create de un cor purtând marionete pe cap și brațe simultan.

„Am vrut să fac ceea ce teatrul face cel mai bine,” își amintește Taymor. „Filmul ascunde firele: știm că e fals, dar ne prefacem că este real – că Titanicul este cu adevărat pe ocean, că se scufundă cu adevărat. În schimb, în teatru, ne place să vedem o mică păpușă reprezentând o barcă și un ocean mare din mătase… acesta este puterea teatrului. Publicul nu este subestimat – este invitat să participe la joc.”

O alegere vizionară

Astăzi, e greu de imaginat The Lion King realizat în alt mod – dar nu totul a fost un drum lin. Chiar și faptul că a primit un apel de la Disney a fost o surpriză pentru Julie Taymor: deși își făcuse deja un nume în cercurile teatrale – fabela sa muzicală despre un pui de jaguar care se transformă într-un băiat în jungla din Uruguay, Juan Darién, primise cinci nominalizări la Tony în 1996. Însă, în afară de această legătură cu pisicile mari, stilul său distinct, cu influențe internaționale și utilizarea intensă a măștilor și marionetelor inspirate de tradițiile indoneziene și japoneze, nu părea neapărat să se potrivească unui colos comercial prietenos cu familia. Totuși, Thomas Schumacher, noul șef al Disney Theatricals, a avut o intuiție: stilul teatral extrem de vizual al lui Taymor ar putea fi exact ce trebuie pentru a aduce The Lion King pe scenă.

Nu era primul musical live Disney – acesta fusese Beauty and the Beast, de asemenea un succes comercial, care a rulat pe Broadway timp de 13 ani. Însă nu a câștigat prea multă iubire din partea criticilor de teatru; Variety nu a fost neobișnuit de dur atunci când l-a descris ca fiind „umflat, încărcat, plin de trucuri, ieftin și, în ciuda milioanelor, complet lipsit de imaginație”. A fost văzut pe scară largă ca o metodă de a face bani – mai degrabă o extensie a Disneyland-ului decât o operă de artă imaginativă în sine.

Ar fi fost o poveste foarte diferită cu The Lion King – pe care The New York Times l-a lăudat imediat la premiera mondială din 1997, descriindu-l ca fiind „cu mult peste ceea ce oferă în mod obișnuit Disney”. Cu toate acestea, Taymor își amintește că, încă de la început, conducerea de la Disney a fost remarcabil de deschisă la orice idee pe care o propunea. „Nu aveau de fapt o idee foarte clară despre cum să facă asta, ceea ce a fost grozav – a lăsat ușa larg deschisă.” Ușa era atât de deschisă încât, la început, nici măcar nu erau siguri că The Lion King va deveni un musical de Broadway; după cum își amintește Taymor, în discuțiile inițiale s-a luat în considerare ideea unui spectacol de stadion sau ceva similar într-un planetariu.

Taymor își amintește cum un atelier de lucru timpuriu, care prezenta conceptul măștilor „eveniment dublu”, i-a speriat pe unii dintre investitori. Michael Eisner, directorul executiv al Disney, Joe Roth, șeful studioului, și ceea ce Taymor descrie drept „un grup de oameni de top de la Disney – dar care nu erau oameni de teatru” au venit să vadă ce pregătea. Dar măștile erau prea mari; costumele erau neterminate; unul dintre păpușari părea hotărât să-și eclipseze propria păpușă… „Am simțit un mare scepticism din partea celor din industria filmului”, recunoaște Taymor.

Răspunsul ei a fost: „OK, să facem un test – pentru că nu vreau să existe dubii și nu am nimic de vândut. Dacă voi credeți că păpușile și măștile evenimentului dublu nu sunt potrivite, vom încerca altceva.” Taymor a realizat trei versiuni complet diferite pentru The Lion King: o abordare în stil commedia dell’arte, cu măști pe jumătate mai mici și mai umane; o variantă în stil Cats, cu machiaj pe față; și abordarea ei originală, cu măștile așezate pe cap.

„Toate cele trei variante funcționau,” spune Taymor. „Așa că i-am spus lui Michael Eisner: Pe care o vrei? El a răspuns: Hai să mergem pe conceptul tău original. E riscant, dar cu cât riscul e mai mare, cu atât recompensa e mai mare.” A fost un salt de credință care cu siguranță a contribuit la succesul musicalului și, de asemenea, a deschis calea altor spectacole teatrale de succes cu păpuși, de la War Horse la Life of Pi, la recentul revival Into the Woods pe Broadway sau noua versiune scenică a My Neighbour Totoro de la Royal Shakespeare Company.

Cele mai importante ajustări

Musicalul The Lion King este renumit mai ales pentru stilul său vizual, dar călătoria lui Taymor a început nu cu aspectul spectacolului, ci cu povestea, la care a lucrat împreună cu scriitorii Roger Allers și Irene Mecchi. Filmul, de doar 88 de minute, trebuia extins, considera Taymor, pentru a susține un musical în două acte.

La un moment dat în procesul de dezvoltare, Taymor a venit cu o idee complet nouă pentru a doua jumătate, un concept extravagant în care Simba ajunge într-un oraș stil Las Vegas, situat în deșert. „Era foarte Broadway – exista un lounge numit Pussycat cu toate aceste leoaice și șopârle de lounge, iar un jaguar era o mașină… Simba devine boxer și este făcut regele leu. Era ceva cu adevărat nebunesc, iar Tom a rămas cu gura căscată.”

Disney poate că nu știa exact ce voia – dar știa sigur că nu voia asta. În cele din urmă, musicalul urmează îndeaproape povestea filmului, deși anii lui Simba în pustietate alături de Timon și Pumbaa sunt extinși, inclusiv o scenă în care tânărul leu trebuie să-și salveze prietenii de la o cascadă. Taymor spune că s-a inspirat din diverse narațiuni arhetipale despre maturizare și întoarcerea fiului risipitor. „Dacă eroul urmează să plece și apoi să se întoarcă ca regele leu, ce trebuie să experimenteze pentru a-și câștiga acest drept?”

Apoi, a fost nevoie de muncă urgentă pentru a dezvolta personajele feminine. „Personajele feminine nu erau profunde sau bine conturate în versiunea originală, așa că am spus: Trebuie să schimbăm asta,” spune Taymor. Rafiki, babuinul, a devenit un personaj central al poveștii, transformat într-o șamană feminină sau Sangoma, în timp ce interesul amoros al lui Simba, Nala, primește mai multă atenție, timp pe scenă și un rol mai activ.

Un alt moment de inspirație a venit cu muzica. Evident, coloana sonoră a filmului de animație, compusă de Elton John, conține unele dintre cele mai captivante cântece Disney (The Circle of Life, Hakuna Matata, Can You Feel the Love Tonight?). Însă, oricât de iubite ar fi aceste piese, ele nu erau suficiente pentru a umple un spectacol întreg.

Filmul includea și muzică de la compozitorul sud-african Lebo M, care, alături de Hans Zimmer, a lansat în 1995 un album intitulat Rhythm of the Pride Lands, ce conținea piese tradiționale sud-africane cântate în limbi precum Xhosa, Swahili, Sotho și Zulu. Când Schumacher i-a oferit acest album lui Taymor, natura corală a muzicii i-a deschis imaginația: „Acum aveam populația mea – aveam posibilitatea de a avea un cor de păsări cântând, un cor de zebre dansând! A fost foarte palpitant.”

Lebo M a fost cooptat în proiect și a compus mai multe piese noi pentru spectacol. „Lebo a devenit un compozitor egal cu Elton și a adus acea altă latură – latura spirituală africană – în muzică, în piese precum They Live in You, Shadowlands… Acestea sunt foarte importante pentru musicalul The Lion King.”

Un pas înainte pentru teatrul muzical

Prezentarea limbilor africane și a stilurilor de cânt coral în spectacol „nu a fost neapărat din motive politice”, spune Taymor, „a fost mai degrabă pentru că era frumos. Era emoționant. Suna grozav.” Însă acest lucru a avut un impact asupra distribuției, Taymor subliniind că The Lion King ar trebui să aibă „o distribuție predominant afro-americană sau africană”, cu excepția personajelor comice (Timon și Pumbaa; Zazu) sau a răufăcătorului (Scar), care erau interpretați de actori albi. Acest lucru a avut un efect notabil în oferirea de oportunități pentru mai multe generații de interpreți non-albi, contribuind la diversificarea lumii musicalurilor comerciale.

„Nu există nicio îndoială că The Lion King, acum 27 de ani în America și acum 25 de ani în Londra, făcea ceva ce foarte puține alte musicaluri făcuseră – nu era despre rasă, dar aducea în prim-plan talentul acestui uriaș grup de actori care nu erau neapărat folosiți în musicalurile albe ale vremii. Cu toții suntem foarte mândri de asta.”

Cu toate acestea, Taymor rămâne o femeie albă din SUA care spune o poveste plasată în Africa, folosind un amestec de stiluri ce împrumută din diferite tradiții teatrale, de la păpușăria japoneză la măștile africane. Dacă spectacolul ar fi fost realizat astăzi, s-ar putea ridica întrebări legate de aproprierea culturală.

Taymor ar respinge astfel de acuzații. „Când pur și simplu iei un stil teatral și îl implantezi… poate că poți spune că e nepotrivit. Dar inspirația, tehnicile și stilurile s-au întrepătruns mereu pe tot globul.” Ea subliniază că în The Lion King nu există păpușărie japoneză Bunraku sau păpușărie cu umbre balineză – ci doar tehnici inspirate din acele tradiții. „Împrumutăm. Este frumusețea a ceea ce împărtășim ca oameni.”

Taymor a fost profund implicată în explorarea acestor tehnici încă de la începutul carierei sale: după facultate, a primit o bursă pentru a studia teatrul în Europa de Est, Indonezia și Japonia. Inițial, intenționa să rămână în Indonezia timp de trei luni – dar a stat patru ani. „Mi-a schimbat viața,” spune ea. „Ca artist, m-am născut acolo. Am avut norocul să fiu în Java și Bali înainte de invazia turismului și am văzut o cultură în care teatrul era cea mai puternică formă de divertisment și educație. Era cel mai fundamental lucru la care puteai participa.”

La doar 21 de ani, și-a înființat propria companie de teatru acolo și a lucrat cu dansatori cu măști din Sumatra, Bali și Java, actori, păpușari și muzicieni pentru a crea și a face turnee cu propriile sale spectacole – producții pe care le-ar aduce, în cele din urmă, și în fața publicului din Occident.

Broadway poate fi o iubită crudă – așa cum avea să descopere Taymor mai târziu cu musicalul eșuat Spider-Man, Turn Off the Dark. Dacă The Lion King a fost visul de Broadway, Spider-Man a fost coșmarul suprem: un spectacol plin de cascadorii și tehnologie, cu muzică de Bono și The Edge, care a depășit enorm bugetul și a avut întârzieri mari la deschidere, cu mai mulți actori răniți în timpul repetițiilor. De asemenea, a fost marcat de diferențe artistice care au dus la înlocuirea lui Taymor ca regizor; ea a ajuns ulterior într-o bătălie juridică cu producătorii pe tema drepturilor de autor, care s-a încheiat cu un acord extrajudiciar.

Astfel de triumfuri extreme sau dezastre sunt destul de rare – dar niciodată nu poți ști cu adevărat dacă un spectacol are acea magie specială până nu ajunge în fața publicului. Totuși, când a venit vorba de The Lion King, Taymor își amintește un sentiment că ceva special se întâmpla în timpul repetițiilor. „Aveam sala de păpuși, sala de coregrafie, sala principală de repetiții… în pauze, mă plimbam prin sălile de coregrafie și rămâneam cu gura căscată. Sau mă plimbam prin atelierul de păpuși și vedeam cum le aduceau la viață. Sau veneau toți în camera mea și spuneau: Doamne, uite girafele. Eram publicul nostru propriu și ne entuziasmam.”

Spectacolul continuă să entuziasmeze publicul și astăzi – mai mult de o sută de milioane de oameni au văzut The Lion King. Dar primul moment în care Taymor a avut o presimțire despre cât de de succes ar putea fi musicalul a fost la prima reprezentație. Producția a început întotdeauna cu trupa de animale intrând prin sală – zebre, gheparzi, gazele și girafe mișcându-se pe culoar și printre public. Este un element faimos al spectacolului acum, dar a surprins audiențele timpurii într-un mod foarte plăcut.

„La prima reprezentație, oamenii strigau când animalele veneau pe culoar – nu ne așteptam la asta. Eram atât de copleșiți de reacția publicului, că am început să plângem”, își amintește Taymor. Aveau un hit – și un nou tip de musical fusese născut.